Primera Bienal de Arte Indígena: una muestra que interpela al arte contemporáneo

Una pintura circular wichí -un tondo- refleja con múltiples colores la cosmogonía, los rituales y la vida cotidiana en esa comunidad indígena del Nordeste argentino, sin agresión a la naturaleza. Esa es la visión del artista wichi del Chaco Reinaldo Prado, que ganó el Tercer Premio (de ochocientos mil pesos) en la Primera Bienal de Arte Indígena: en el Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina (UCA) dará cobijo, hasta el 12 de abril, a 46 artistas de Argentina, Perú, Paraguay, Brasil y Chile.

Sus presencias desafían barreras y buscan cambiar la manera en que el arte observa a la creatividad indígena: se trata de poder ganar reconocimiento sin intermediarios. Allí, en Av. Alicia Moreau de Justo 1300, de 11 a 19, la Bienal motoriza el lema “Voces indígenas contemporáneas: una mirada desde el corazón de las comunidades”, bajo el empuje de la Fundación Redes Solidarias. Con obras en cerámica, pintura, talla en madera, textil, cestería y artes visuales contemporáneas, la Bienal reúne a artistas consagrados y a otros debutantes: es una viva producción de cara al público.

La multiplicidad de las visiones y las cosmovisiones es el núcleo de la Bienal: creadores indígenas de Chaco, Formosa, Salta, Jujuy y Tucumán, además de Perú, Paraguay, Brasil y Chile, comparten tradiciones, paisajes y costumbres a partir de motivos humanos y animales, seres imaginarios, espacios naturales y luminosas texturas de honda riqueza. El Primer Premio (de un millón quinientos mil pesos) fue para Félix Peralta, artista nivaclé de la localidad de Pedro P. Peña en Paraguay, por la talla en palosanto de un pescador ancestral.

Al Segundo Premio (de un millón doscientos mil pesos) lo recibió Denis Ramírez-Ininsoi, de la etnia shipibo-konibo de Perú, por su pintura de un río del Amazonas rebosante de peces y con una boa a modo de círculo. Además del Tercer Premio para Reinaldo Prado hubo menciones de cuatrocientos mil pesos para María Antonia Carema, de la etnia nivaclé; de trescientos mil pesos para Olga Mori, de la comunidad shipibo-konibo, por un tapiz con las visiones de un ritual chamánico; y de doscientos mil pesos para la wichi Candela Mendoza.

También tuvieron menciones honoríficas el inspirado nido de pájaros de la artista guaraní Analía Gallardo y la escultura de un águila de la wichi Sara Díaz. En todas las fichas de las obras expuestas se indican las direcciones de e-mail de los artistas para que puedan comercializarlas, en sintonía con el objetivo de que la Primera Bienal de Arte Indígena sea una vidriera real a las producciones y a las culturas -y esfuerzos- que las sustentan. “Es un espacio legitimador de la pluriculturalidad”, dijo la artista Teresa Pereda durante los premios.

En su calidad de jurado, junto con la antropóloga e investigadora Ana María Llamazares y el crítico de arte y curador Julio Sánchez, Teresa Pereda les agradeció a los artistas el “hacer perdurar la sabiduría de los ancestros, interpelar el presente de la humanidad, indagar un futuro posible y regenerar el ritual como espacio vital, porque cada acto en sus vidas es sagrado”. Así, la Primera Bienal de Arte Indígena busca ser un antes y un después para su valoración y proyección en la escena contemporánea argentina.

“Todas estas obras son totalmente genuinas y verdaderas”, dice la creadora y fundadora de la Bienal, la antropóloga Mercedes Avellaneda de Bocca, de la Fundación Redes Solidarias. Y acentúa: “Los artistas seleccionados tienen un nivel muy alto y, casualmente, sus padres o sus abuelos también fueron artistas. O sea, se trabaja creativamente en las comunidades. Y los jóvenes renuevan el arte indígena con su propia impronta”. Y en cada creación el artista “transmite un mensaje del cuidado del ecosistema y del resguardo de sus creencias míticas”.

Mercedes Avellaneda de Bocca lo sabe: “Hay que visibilizar todos estos discursos porque no llegan a la gran ciudad, pero también porque hay mucho prejuicio sobre el arte indígena. Lo que hace esta Bienal es condensar un montón de significados distintos. Además, son obras de gran tamaño y así se muestra al artista en toda su dimensión”. ¿Y cómo interactúa el público? “La gente viene con un poco de prejuicio para ver qué es el arte indígena y al entrar se maravilla: se encuentra con obras de dimensiones impensadas y con mucho colorido”.

Y “a todo el público del arte contemporáneo le pasa lo mismo -señala la antropóloga-. No dejan de desfilar los coleccionistas, la gente interesada, los que sacan fotos y comunican las obras”. Por sus veintisiete años en Redes Solidarias, Mercedes Avellaneda de Bocca es consciente de las problemáticas que atraviesan las comunidades y cómo las traducen los expositores de la Bienal: “En las comunidades, los indígenas nunca se sintieron artistas. Hacían su y se sentían más que nada artesanos”. ¿Qué ocurrió entonces?

La Primera Bienal de Arte Indígena “se viene preparando hace un año y medio -cuenta la organizadora-. Viajamos al Chaco, a Salta, nos reunimos con las comunidades, les propusimos participar de la Bienal y les explicamos que ellos son artistas natos: que la diferencia de pasar a ser un artesano a un artista es simplemente cambiar el tamaño de la obra -de mediana a gran escala- para entrar en el mundo del arte contemporáneo. Que hicieran lo mismo que sabían hacer, pero en otra escala”. Y poder verlo “es impactante”.

Así, para Mercedes Avellaneda de Bocca “este es un arte genuino, verdadero, que viene a interpelar al arte contemporáneo: a renovarlo y darle un poco de frescura. Pensemos que esta gente es autodidacta. No está pintando para un público, sino para su comunidad y para los que la visitan”. ¿Y qué más se puede ver? Junto a las obras expuestas, la Bienal incluye la exhibición La Virgen de Guadalupe y la Tonantzin. Sincretismo y textiles de la cultura americana, curada por Elena Bortagaray, con textiles mayas y Vírgenes de Guadalupe, en el Edificio San José de la UCA -en Av. Alicia Moreau de Justo 1600-. Y hay dos muestras más.

Primera Bienal Indígena y un acto de discriminación y censura

En el Mercado de Artesanías Argentinas de la planta baja del Palacio Libertad (Sarmiento 151) se expone Sueños y visiones, con artistas salteños, formoseños y santiagueños, y en el Espacio Vitriol (Perón 1253) se ve Desde el Corazón del Gran Chaco. Arte y Cultura de la Región, con artistas de la Misión Chaqueña, impulsada por la Fundación Siwok y Tesoros del Gran Chaco. Esta muestra iba a exhibirse en la Sala 606 del Palacio Libertad, pero desde la Secretaría de Cultura de la Nación, que dirige Leonardo Cifelli, se decidió “desprogramarla”. Para Mercedes Avellaneda de Bocca es claro: “Fue un acto de discriminación y censura”.

Y lo explica: “Que una muestra paralela del circuito de la Bienal haya sido prohibida en el Palacio Libertad da la pauta de que a este gobierno no le interesan los indígenas, o los ponen a todos en el mismo canasto”. Y prosigue la organizadora de la Bienal: “Trabajamos seis meses con el Palacio Libertad para organizar la muestra y se la censuró a dos días de su montaje. Es contradictorio”. ¿Cuál fue la argumentación? “Un diario de la derecha sacó un comunicado festejando que hubieran bajado la muestra diciendo que ‘los caciques inician a las menores de edad en la educación sexual’. Un disparate sin argumentos”.

Desde el Palacio Libertad “adujeron que bajar la muestra tenía que ver con ‘órdenes de arriba’ -recuerda Mercedes Avellaneda de Bocca-. Pero yo no pienso que haya sido una orden de Leonardo Cifelli. Esto provino de algún funcionario que levantó la perdiz por un cuadro que se pintó en la época de la pandemia, que tenía una cadena alrededor de una escuela, y que fue tomado como una provocación política de los indios hacia el gobierno. Esas cosas salen de funcionarios de segunda línea que quieren hacer buen mérito”.

Pero “esa decisión de bajar la muestra nos favoreció un montón, porque nos dio mucha visibilidad y publicidad”, celebra la organizadora. “La gente a la que le interesa el arte indígena viene a la Bienal y transita ese puente desde su cultura a la cultura ancestral, y eso es maravilloso, porque el arte es un lenguaje que trasciende también las diferencias: es un puente de encuentro”. Y ése es el objetivo de la Bienal: “Esto está hecho para vincular a los artistas directamente con el público. Lo importante es incorporar algo nuevo y desconocido”.