Warhol, Agnes Martin y Richard Serra son parte de los artistas cuyas obras son mostradas en la muestra inaugural anual de Proa bajo el nombre “Penumbra”: una exposición que trae por primera vez al país una representación de arte contemporáneo de la colección Dia, la fundación estadounidense dedicada, a sostener grandes investigaciones artísticas desde la segunda mitad del siglo XX a nuestros días.
Así, Agnes Martin, John Chamberlain, Andy Warhol, James Turrell, Richard Serra, Robert Irwin, Felix Gonzalez-Torres, Tehching Hsieh y Walter de Maria son los artistas que configuran el conjunto de obras que dan vida a “Penumbra: Dia Art Foundation” y las experiencias artísticas “americanas”.
El minimalismo, la abstracción y el arte conceptual se despliegan en temáticas expandidas desde los vínculos con la naturaleza o lo espiritual, y también desde la creación de espacios y posibles torsiones y pliegues, hasta la creación de obras obsesionadas por la luz o su ausencia.
Pero por sobre todo, “Penumbra” invita a un recorrido introspectivo permitiendo un tiempo otro, que se ancla, a modo de cierre, dos videos: el del performer taiwanes-americano Hsieh y la documentación del efecto de la luz sobre papel fotográfico registrado en “Exposure” (1973-2016); y con el segundo video, un “western de vanguardia” de De Maria llamado “Hardcore” (1969), donde el paisaje es el protagonista.
La exposición ofrece una gama de colores, formas, texturas, materialidades, y por supuesto, sombras, en esa mirada sobre las transformaciones del arte del siglo XX y sus “resonancias”.
Es así que en tiempos de convulsionadas pantallas e individualidades y disputas exacerbadas por los recursos naturales, los organizadores, la Fundación Proa y la Dia Art Foundation de New York invitan, en el trigésimo aniversario de la institución del barrio de La Boca, a experimentar la recién inaugurada muestra.
Se trata de una exposición que valoriza la experiencia sensorial y desplaza, como condición curatorial, los textos explicativos de las obras hacia códigos QR para ser leídos o escuchados después.
La exposición es curada por Humberto Moro, director de programación de Dia Art Foundation -y curador de la muestra antológica actual del argentino David Lamelas Huberen – con la asistencia curatorial de Ella den Elzen-, e invita a “un recorrido por prácticas que transformaron el arte contemporáneo al convertir el espacio, la percepción y el tiempo en experiencia”.
Un detalle a considerar, surgido de la conferencia de prensa previa a la inauguración, es el posible vínculo entre el norte y sur del continente. Para Moro, la exposición pone el foco en una generación de artistas que rompieron “con el expresionismo abstracto, con las ideas de representación y de la desmaterialización y la democratización del arte”, y cuestionaron “qué podía ser arte y qué no”.
Y explicó: “En ese momento usaban materiales industriales, metal, luz y vocabularios que tenían que ver mucho más con la percepción que con la forma”, por lo cual consideró “que es importante entender las particularidades sociales, económicas e históricas de estos artistas y también los contrapuntos (entre ellos)”.
Si bien Dia cuenta con unos 90 artistas en su colección, la selección responde al “compromiso compartido con aquello que permanece sin resolver, ya sea en el plano visual, espacial o conceptual”, y propone la “penumbra como un estado productivo”.
Pero esta idea se sugiere como contraparte de una realidad marcada “por demandas de transparencia, inmediatez y visibilidad total”, avalando de paso la elección del nombre de la muestra, más allá del significado similar en varios idiomas.
Es que en esa provocación de diálogo, los curadores buscan “evidenciar esta negociación entre la luz y la sombra con la participación activa de la percepción humana (puesta) en esta negociación”, según expresó Moro desde Nueva York.
“Penumbra se refiere a la zona o el espacio entre la luz y la oscuridad, o entre la iluminación y la sombra”, explicó den Elzen por su parte.
Y agregó: “en la mayor parte de la práctica contemporánea y de la posguerra, esta noción de iluminación suele significar claridad, inmaterialidad y acceso, pero nosotros queríamos centrarnos en esta idea de penumbra o en esta zona entre la iluminación y la oscuridad como un espacio generativo, como un espacio que sintoniza nuestra percepción cuando pensamos, en cómo nos movemos dentro del espacio, y en nuestra relación con la luz, la forma y el color”. Y sin una luz plena, “la visibilidad se desestabiliza y la forma surge por la atenuación”, dijo Moro.
Un poco esta es la clave del recorrido de las cuatro salas y la casi inadvertida separación traslúcida entre interior y exterior de cortinas azules colgadas en el primer piso del edificio que pertenecen a la obra “Untitled (Loverboy)”, de 1989”, de Gonzalez-Torres.
Las cortinas son “una negociación entre lo visible y lo no visible, entre la opacidad y la
visibilidad, habla de esta intención de entendimiento entre culturas”, donde se busca en definitiva, ya en lo general de la curaduría, “entender cuál es nuestro papel como espectadores, cuál es nuestro papel con nuestra percepción y cómo percibimos estos procesos de negociación”, explicó el curador.
Penumbra: qué veremos en la muestra
Luces y sombras crean espacios, sea desde las pinturas de Agnes Martin con veladuras de color de la primera sala con sus ocho pinturas de la serie “Amor inocente” (1999). Esto da paso a las esculturas de volúmenes “comprimidos” de Chamberlain creados con chatarra de automóviles o resina translúcida puestas en diálogo con los ocho paneles de un conjunto de 102 de las “Sombras” (“Shadows” 1978-1979) de Warhol: una “repetición y serialidad” cuyo tema y superficie es la sombra” del referente del pop art conocido por sus imágenes seriadas de Marilyn Monroe y las latas de sopas Campbell.
Contigua y recreada en una habitación separada del resto de las salas a la que hay que acostumbrar la vista,
se ubica una de las primeras experimentaciones de Turrell, “Catso Blue” (1967-1987), y ya en el primer piso la impactante obra de Irwin con “Sin título” (1965-1967) de la etapa Luz y espacio de su trayectoria, así como las posteriores “Pacific Jazz” (2010) y “Blue Jay” (2018) hechas con tubos fluorescentes. Este artista consideraba al arte como “una experiencia personal” siendo “el espectador el que lleva su experiencia hacia la obra”.
Por último, la “disolución y repetición y lo meditativo”, así como el tiempo condensado en imágenes en movimiento y la transformación de la materia más las experiencias directas con la luz, contrastan y parecen no relacionarse a la materialidad explícita de las “45 maquetas” de elipses torcidas (“Torqued Ellipses”, 1994-1998) de Serra: unas maquetas de estudios realizados en plomo e inspiradas en una iglesia de Roma. Y sin embargo lo están.
Asociación
Por otro lado, Proa, espacio dedicado a mostrar expresiones artísticas históricas relevantes no vistas en el país, estrecha los lazos con la fundación norteamericana. Una Fundación que torna su mirada hacia el arte latinoamericano en la actualidad.
Es por eso, que la asociación interinstitucional, nacida con la exposición de obras del artista minimalista y creador del arte lumínico estadounidense Dan Flavin en 1998, propone y presenta hasta agosto, las obras de los reconocidos artistas, en “Penumbra”.
Dia fue fundada en 1974 en Nueva York por el marchante de arte Heiner Friedrich y su esposa Fariha (Philippa de Menil), y la historiadora de arte Helen Winkler, y “durante 50 años ha tenido diversas manifestaciones” siendo reconocida por sostener e impulsar proyectos de gran escala y obras de sitio específico, por medio de comisiones de obra en algunos casos, redefiniendo los modos de producción y colección del arte.
“Penumbra”, más allá del programa público habitual y catálogo en proceso, podrá visitarse hasta el 2 de agosto en Av. Pedro de Mendoza 1920 (CABA),de miércoles (día de entrada gratuita) a domingos con una entrada general, de 12 a 19.
